Llevaba siguiendo el desarrollo de este proyecto desde hace unos cuantos meses. Uno de sus trailers me llamó muchísimo la atención en el LudoNarraCon que hace Fellow Traveller cada año en mayo. Fascinado por su estética y sus obvias influencias en algunos de mis videojuegos y animes favoritos, estaba claro que me iba a gustar, pero no imaginaba que lo haría de esta forma. Ya solo en la manera que está concebido, rezuma originalidad y ganas de probar cosas diferentes por los cuatro costados. Sunset visitor es una desarrolladora independiente de videojuegos, formada por un grupo de desarrolladores asiatico-canadienses con décadas de experiencia en otras artes como pueda ser la danza, el teatro, la música, o las artes visuales. Esa composición heterogénea de influencias en el arte, se nota en el enfoque que pretenden darle a este título, probando nuevas formas de narrativa y experimentando con el medio. Sin contar claramente que su nacionalidad ha influenciado directamente los temas de la obra, a veces se siente muy personal. (Spoilers de aquí en adelante)

1000xresist es una experiencia centrada absolutamente en su narrativa y mundo. Tanto es incluso, que su historia la he sentido más larga y compleja que muchos títulos con el doble o triple de horas. Consecuentemente, sumando además a su estilo surrealista y abstracto, llevo unos días desde que lo finalicé tratando de sacar conclusiones y organizar mis ideas. Esta obra trata principalmente temas como la diáspora y el trauma generacional. Como nuestras vivencias traumáticas nos influyen personalmente, y como hacemos que la siguiente generación los arrastre también, atrapados en un bucle de sufrimiento. Podemos verlo representado tanto en Iris, como en su madre o en la directora. Todas sufrieron situaciones difíciles, y educaron a sus descendientes en esos términos. El juego se introduce profundo en la psicología de Iris para abordar estos temas de una forma magistral, no solo por la buena escritura en la forma de plantearlos, si no también por su estructura. Vemos todo a través de recuerdos, de un pasado en el que Iris vive todavía atrapada. Se nos van mostrando sus vivencias sin orden, con lentitud y espacio para construir firmemente la narrativa. De hecho, también los recuerdos y cómo los afrontamos, son un tema bastante primordial en esta obra.

Por otro lado, esos recuerdos son visualizados por diferentes clones, Watcher y Blue, nuestras protagonistas, que deben afrontar las consecuencias de sociedades autoritarias creadas por las susodichas antes mencionadas (Iris y la directora). Watcher por su lado, tiene que ir descubriendo cómo los pilares de su mundo se fragmentan, como todo lo que creía como cierto era una farsa. La diosa a la que rinden culto no es tan perfecta como la han hecho creer, y en su ceguera, ha sacrificado a la persona más importante que tenía en su vida. Su reacción tras esto es la más lógica, y en un arrebato de ira cambia el transcurso de lo que sería la civilización hasta ese momento para ella. La trampa perfecta de la directora, para de nuevo seguir cometiendo los errores de su progenitora y vivir estancada en el pasado. Aquí entra en ecuación Blue, con sus problemas de identidad. Ella consigue terminar rompiendo el bucle y encontrar un lugar que sí le pertenezca a esos restos de la civilización. Personalmente el final me encanta, una montaña rusa de emociones que acaba conectando con el prólogo del juego y te deja decidir. Decidir cuál es el futuro que les espera y que merecen después de todo. Escenas como la del padre en su tumbona tras suicidarse, o la conversación de Iris con su madre al final me ponen todavía los pelos de punta.

He entrado de forma muy superficial en la narrativa en los anteriores párrafos, para todo lo que se podría extraer y analizar en profundidad, capitulo por capitulo, personaje por personaje. Estos temas los envuelve en un escenario de ciencia ficción post-apocalíptico. La tierra ha sido destruida por unos alienígenas denominados “los ocupantes”, llevando a la civilización a vivir en una nave bajo el mar pacífico. Me encanta lo bien que están fundidas la parte de ciencia ficción con el resto de elementos narrativos del título. Todos los componentes empujan a la narrativa hacia delante y no funcionarían en otro contexto. Además de esto, poder explorar lugares como “the orchard” me parece fascinante. No solo en cómo está compuesto, si no además por su estética, como un paraíso, un edén para lo que queda de la civilización. Aunque la estética es una virtud general de esta obra. Su apartado artístico es de escándalo y tiene mucha personalidad. Me encanta como usa el color tanto de forma artística, como para sumar a su narrativa. Pero sin duda, para mi, lo que más destaca es el uso de la iluminación. Esa aberración cromática saturada, le da muchísimo carácter y personalidad al título, casando muy bien con su ambientación de ciencia ficción.

Sin embargo, sé que 1000xresist no es un título para todo el mundo. Es en parte también su virtud. No hay prácticamente gameplay, a parte de unos puzzles simples y pasearte para hablar con los diferentes personajes. No se encasillarlo en un género en concreto si quiera. No obstante, si es el tipo de juego que te gusta, te va a flipar, aunque tenga algunos problemillas de ritmo en los capítulos iniciales. Sobre todo relacionados con esa excesiva cantidad de paseos para tener charlas opcionales.

En definitiva, sí, 1000xresist me ha encantado, incluso más de lo que esperaba. Es un título muy especial que siento verdaderamente único a nivel personal. Tiene una narrativa brillante y una construcción de mundo de escándalo. Es capaz de conectar contigo, transmitiendote emociones e ideas. Six to one, sister.

Behind every great one es posiblemente uno de los juegos más duros y difíciles de jugar que han pasado por mis manos. Escrita así la frase podríais pensar que me refiero a dificultad en su gameplay, pero todo lo contrario. Es un juego difícil de jugar a nivel emocional.

Este título cuenta la historia sobre Gabriel, un artista muy enfocado en su trabajo y Victorine, su mujer y ama de casa. Entra de forma muy visceral en dinámicas de relaciones abusivas y cómo van afectando a Victorine. No solo es duro por los temas que trata, si no con el realismo que lo hace. Se siente perfectamente que esto es algo que está ocurriendo a día de hoy, algo que seguramente has visto ocurrir. Ya no solo por la parte de Victorine si no por la de Gabriel. En el documental de essays on empathy, el escritor del juego Jordi de paco, habla cómo se inspiró en dinámicas relacionales antiguas suyas en las que él había sido Gabriel, muy abstraído en su arte como para preocuparse del bienestar de la otra persona. Incluso sabe atajar muy bien las difícil relación con los padres del protagonista y como lleva a Victorine aún más profundo en su ansiedad. Los temas del juego chocan radicalmente con su paleta colorida y desenfadada, lo cual me parece un detalle sublime.

Por otro lado, behind every great one se ha convertido en mi ejemplo preferido para argumentar juegos no tienen que ser divertidos. Aquí ni siquiera lo pasas remotamente bien, pero es un juego tanto necesario como excelente. El arte puede tomar muchas caras y esta es una de ellas.

En definitiva, los escasos veinte minutos de duración de este juego dan para horas de reflexión, me encantan los títulos que prueben a hacer cosas diferentes con su guión y tratar temas realmente difíciles.

Firewatch cuenta una de las historias más humanas que yo he podido experimentar en este medio. Es casi como si hubiera llegado en el momento perfecto para mi. La calma de los bosques de Shoshone abre a la reflexión sobre las complejidades de las relaciones humanas. Me hace pensar incluso, que a mí me haría falta también un verano cuidando los bosques de alguna comunidad autónoma pérdida de la mano de dios. Pero como en la vida misma, la calma, es momentánea y Firewatch sabe llevar eso de una manera excepcional.

El inicio de Firewatch es desgarrador. El pasado de Henry se va desgranando lentamente resultando en una historia terriblemente dolorosa, incluso para el propio jugador. Crea un contexto perfecto para lo que trata de contar. Las siguientes dos horas del juego te las vas a pasar haciendo recados por todo el bosque, mientras reflexionas sobre esa situación. Pero no lo haces solo. Otra persona en una situación similar a la tuya, golpeada por las dificultades de la vida, ha acabado en el mismo sitio que tú. Las horas en los bosques de Wyoming se llenan de conversaciones entre vosotros dos, mientras vais conociendo el trasfondo de cada uno. Es obvio para Henry, es obvio para Delilah y también es obvio para el jugador que mientras más se conocen, más conexión hay entre ambos. Abre un debate que me parece muy rico. Está claro que Henry y Delilah se atraen, pero la situación con la esposa de Henry crea un dilema complejo. Sabes qué es lo correcto y lo que deberías hacer, pero no tiene que coincidir con lo que sientes que quieres hacer.

La calma dura poco y Firewatch pisa el acelerador dando un giro por completo al ritmo del juego. Mientras que las primeras horas te las pasas explorando el pasado de los protagonistas y construyendo la relación entre ellos, la segunda se vuelve un thriller que escala muy rápidamente.De hecho, escala hasta un punto que la tensión lleva a tu imaginación a lugares más allá, conspiraciones de escala global con gobiernos involucrados. Construye sobre toda esa incertidumbre de una forma brillante para “decepcionarte” después. No era más que un ex-soldado tratando de esconder su culpa. No era tan grandioso como tu mente imaginaba. Firewatch juega con tus expectativas sin olvidar que es un juego que trata de ser un reflejo de la vida , de sentirse humano. A mi personalmente me parece brillante. Porque tampoco es la única “decepción” que el juego te da en su final. Delilah y Henry nunca se conocieron en persona y Henry toma la decisión correcta. ¿Que esperabas si no que ocurriera verdad?

Por otro lado, Firewatch genera esa sensación contemplativa en su inicio que tanto me gusta gracias a su apartado artístico. Cada lugar del bosque de Shoshone es absolutamente precioso. Le da magia a esas caminatas en silencio disfrutando del paisaje. Silencio que solo es roto por la voz de Delilah y su excelente banda sonora para llevarte más profundo en la naturaleza de Wyoming.

En definitiva, Firewatch es un juego brillante con una historia excepcionalmente escrita que personalmente me ha golpeado duro. No quiero entrar en detalles personales, pero un juego que habla sobre las relaciones humanas tan bien como lo hace este título, era justo lo que necesitaba en su momento. Siempre le guardaré un cariño especial.

Oneshot ha sido algo absolutamente único para mi. Me faltan las palabras para poder expresar lo que ha significado experimentar esta obra. En una época en la que siento que cada vez cuesta más que me sorprenda un juego, Oneshot me ha golpeado en toda la cara con su forma de utilizar el medio para su narrativa. Hace añicos la cuarta pared, y si hubiera una quinta o una sexta seguro que la rompería también. Ha expandido un paso más allá mi visión sobre qué cosas se pueden hacer en este medio tan bonito, además de contarme una historia que me ha emocionado totalmente. Ha dejado en mi un agujero inabarcable.

Si eres alguna de las cuatro personas que está leyendo esto, si no lo has jugado todavía para de leer ahora mismo. Creo que Oneshot es un título que merece la pena jugar a ciegas y yo aquí voy a entrar en aspectos claves de la narrativa.

Una de las cosas que me ha hecho enamorarme de esta obra es lo brillante que es su narrativa y construcción de mundo. No solo es que sea buena por como están escritos sus personajes, de forma que realmente acabas creando un vínculo con ellos; o como sabe mantener la sensación de intriga mientras va desgranando más sobre su depresivo mundo. Es tan buena por como te involucra a ti dentro de ella. Oneshot pone al jugador como un dios que controla lo que ocurre en su mundo desde fuera de este, utilizando al protagonista como un mesías bajo tu envío. Es algo que, si nos paramos a analizar, es una realidad inherente al medio, que Oneshot tiene coraje no solo de aceptar, si no hacerlo parte de su narrativa. Gracias a ello me permitió conectar más profundamente con Niko, ya que tenemos conversaciones directas entre ambos en las que nos intentamos conocer mutuamente. Es esa forma de interactuar, junto al respeto y admiración que siente por ti, que me ha hecho que realmente me preocupara por el desenlace que le pudiera estar esperando. Seguía adelante completando puzzles abstractos y enrevesados por él. Y el desenlace que esperaba ahí adelante era peor para mi que para él. La decisión en lo alto de la torre es un mal trago por el que el juego te hace pasar. Te pone en jaque y espera que actúes, sabiendo que no hay opción correcta. Yo salvé a Niko.

Creo que la genialidad de este final no es solo como se te presenta la difícil decisión, si no que tras esta, te quedas insatisfecho con la conclusión. Los creadores lo saben y tengo la sensación de que está hecho adrede. El juego le debe su nombre al hecho de que sólo puedes jugarlo una vez, cualquier decisión que tomes es definitiva. Al fin y al cabo en la vida no se puede volver atrás en el tiempo, somos esclavos de nuestras decisiones pasadas. Oneshot nos quiere transmitir eso, pero también busca darnos esperanza. Porque pese a que las decisiones son inalterables, siempre se puede volver a intentar una vez más. Es así como gracias a esa insatisfacción, revisas los archivos del juego para buscar esa nueva oportunidad, en la que quizá si puedas salvar a todo el mundo. Solo quizá. De nuevo, Oneshot vuelve a romper con las convenciones del medio y la cuarta pared para introducirnos en la parte más especial de la obra sin duda. El final del solsticio aprovecha esos vínculos generados con los personajes para hacernos conocerlos más, para luego afligirnos. Ver a todos los personajes morir, mientras el mundo que te había cautivado se desmorona poco a poco hace que realmente desees que nos espere una conclusión feliz. Los creadores se sueltan la melena y deciden directamente discutir el concepto de “videojuego” dentro de la propia narrativa. Me hace reflexionar como tan pocos títulos se atreven a hacer estas cosas tan únicas, que a un apasionado de este medio como yo le flipan. Sin embargo, el final feliz llega junto a una verdadera despedida. Una despedida de cada uno de los personajes que han marcado tu viaje, así como del protagonista. Aquí el juego me tenía llorando como un bebe recién nacido, y entre lágrimas, Niko sale de la ventana del juego para poder volverse a reunir con su madre. Es la conclusión temática y emocional perfecta. Este final sin duda deja una huella imborrable en mi memoria, pues como bien se trata en la conversación final, mientras este viaje siga en nuestros recuerdos habrá merecido la pena. En tus recuerdos va quedar porque Niko ya no está y no puedes rejugar el juego. Me encanta que sean tan coherentes temáticamente para hacer más especial la vez en la que juegues el juego.

He tratado de analizar algo más profundo la narrativa y el uso del medio que hace Oneshot, porque sin duda es lo que me ha hecho enamorarme de esta obra. Pero esto no es lo único interesante que tiene para ofrecer. La parte jugable de Oneshot es principalmente una resolución de puzzles mientras vas explorando su mundo. En un inicio son simples, de unir diferentes objetos y de usarlos en puntos concretos, para lentamente utilizar sus puzzles también para romper la cuarta pared. Al principio me sorprenden cosas como que se creara un documento con un código para un caja o te diese la solución de un puzzle cambiando tu fondo de pantalla. Cada vez esos puzzles iban rompiendo la cuarta pared de formas más transgresoras que me dejaron bastante sorprendido. Me encanta que todo se sienta tan coherente, que no sólo explore las posibilidades del videojuego en su narrativa, si no que con su jugabilidad también consiga asombrarme.

Por otro lado, todo el apartado artístico de Oneshot ayuda a que sea tan increíble. Su pixel art es precioso y me encanta cómo utiliza el color en cada una de sus regiones, color que transmite sensaciones similares a lo que representa cada región. Su banda sonora termina de cerrar esa ambientación de forma sublime. Acompaña las emociones que transmite el título y las fortalece, a parte de ser muy agradable y tranquila de escuchar. A mi me transmite sensaciones de tranquilidad y tristeza, aun así estoy seguro que sus canciones me acompañaran en mi dia a dia a partir de ahora.

En definitiva, Oneshot me ha parecido una obra incomparable. Gracias a su forma de utilizar el medio y a su magnífica narrativa, se ha hecho un hueco en mi corazón. Y en mi top 5 de videojuegos. Si te apasiona el videojuego tanto como a mi, creo que puede que deje una huella imborrable en ti, estoy seguro.

La adolescencia es una etapa turbulenta en la que nos enfrentamos a problemas como lo es la búsqueda de la identidad. Nos pasamos años intentando averiguar quiénes somos. A veces me cuesta recordarlo, y eso que esa etapa acabó hace un tiempo para mi. Toda esa búsqueda se nubla cuando tu entorno invisibiliza tu realidad y la etiqueta como incorrecta. We know the devil se siente tremendamente personal, una forma para las creadoras de externalizar sus sentimientos en relación a ser una persona queer en un entorno cristiano. Atajar los problemas de esa época de una forma metafórica y preciosa a partes iguales.

Esta obra nos presenta a tres chicas adolescentes que pasan su verano en un campamento católico. Deben pasar la noche en un cobertizo intentando evitar que el demonio las alcance. No sabes que es “el demonio” en un principio, pero el juego sabe transmitir terror en torno a su figura, gracias a su banda sonora. Es como si lo sintieras desde la perspectiva de ellas, de esos pensamientos que les han inculcado. Pero el diablo es algo totalmente metafórico. Son esas ideas rechazadas por la sociedad más tradicionalista, que demonizan como algo horrible y les impide encontrar su verdadera identidad. Por eso cuando les alcanza a las tres, deciden abrazarlo para ser capaces de descubrir quienes son realmente, dando paso a un final hermoso en que aceptan su sexualidad y género.

Tampoco quiero desmerecer a los finales “malos”. Creo que todos reflexionan sobre algo tan importante como la amistad. La conversación con el capitán nos habla de las amistades de tres integrantes, y como muchas veces alguien se acaba quedando desplazado. El juego nos pasa el testigo y en nuestras manos queda involucrar a todas en la experiencia. Este concepto gana fuerza cuando nos presentan las decisiones sin que sepamos el porqué ni las consecuencias. Eliges según te parece, para darte cuenta al final que te has olvidado de alguien. El capitán tenía razón desgraciadamente, pero tú puedes cambiarlo e intentar encontrar un final en el que todas se sientan felices. Es un paralelismo con la realidad de esa situación.

Por otro lado, creo que We know the devil crea una atmósfera genial. Su banda sonora está a caballo entre dos sensaciones completamente opuestas. A veces genera tranquilidad sí, pero sobre todo crea tensión y angustia. Hay partes de la banda sonora que son desagradables, pero en ello creo que se encuentra la genialidad de esta BSO. Ayuda a construir esa atmósfera tan desconcertante y hostil, que se siente acompañada de forma sublime por esas fotos hechas con cámara digital que se utilizan como fondos. Esos fondos promueven la misma sensación de la banda sonora y solo te deja esperanza en los dibujos hechos a mano de las protagonistas.

En definitiva, We know the devil me ha parecido una novela visual espectacular, que trata temas que se echan de menos en los videojuegos. Una obra cortita con un presupuesto reducido, pero con mucho amor por lo que querían lograr contar con ella.